Vu en 2023

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Très beau film sur le refus, par un prêtre éduqué mais froid, d'accepter la vie dans ce qu'elle peut avoir de grotesque, d'accidentel et de sensuel. L'image — servie par le format 1:1,33 — est superbe, bien aidée par le sublime et l'austérité des paysages islandais.

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Malgré l'intérêt des thèmes — et le charme cinématographique de ces villes interminables et étales du Proche et Moyen-Orient : on pense encore récemment aux plans fincheriens sur Amman dans les Nuits de Mashhad —, le récit est à la fois un peu surchargé (l'homosexualité cachée du personnage principal et le poids du patriarcat sur son épouse, c'est beaucoup) et anecdotique.

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Film d'été économe — son image respire le “petit film sorti dans 3 salles parisiennes” — mais très réussi dans sa déconstruction du récit. Que nous raconte-t-on ? Rien de très précis, mais beaucoup de choses énigmatiques servies par une belle image : la vie estivale d'un petit village corse (de la Castagniccia ?), entre e-temps ensoleillés, rancœurs à bas bruit, sensualité vénéneuse, liens non-dits...

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Les imperfections d'Earwig (narration parfois un peu légère, longueurs, quelques expérimentations visuelles ou sonores un peu répétitives) n'enlèvent rien à ses éclatantes qualités : une ambiance proprement onirique, sur la frontière qui sépare le rêve du cauchemar ; un *sound design* exceptionnel (ondes Martenot, Cristal Baschet) ; un plan final hallucinant, à la Cronenberg. Un film d'une très grande originalité, même si on se prend parfois à penser qu'il aurait été meilleur en format court.

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Un grand film américain avec Cate Blanchett en majesté, hiératique et effrayante. Le thème — “abuse of power can be no surprise”, selon un des truismes de Jenny Holzer — est traité avec beaucoup d'adresse et une certaine ambiguïté morale, qui empêche le spectateur de condamner la protagoniste sans jamais lui permettre de sympathiser vraiment avec elle. Quelques très bonnes idées de mise en scène (la scène d'ouverture du film, vue à travers le portable de la toujours talentueuse Noémie Merlant, est excellente).

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On peut se laisser arrêter par les défauts de Babylone, indéniables — étaler avec complaisance une scène de fête décadente sur fond de jazz mâtiné d'inspirations électro ; étirer son intrigue au-delà des trois heures et peiner à atterrir, jusqu'à infliger à son spectateur une “histoire du cinéma” un peu ridicule. On peut aussi s'enthousiasmer, ce fut mo
cas, pour sa formidable énergie, pour l'interprétation formidable de Brad Pitt (et celle de Tobey Maguire, un peu kitsch mais qui m'a beaucoup séduite), et surtout pour sa reconstitution tendre et drôle des tournages du début XXe, alors que le cinéma sortait de sa convalescence post-pandémique.

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Premier film que j'ai malheureusement trouvé assez poussif, malgré les paysages du Morvan et de bonnes idées. C'est surtout du côté de l'écriture que les choses pêchent ; les dialogues sont souvent assez artificiels (la scène d'exposition initiale, dans une cuisine où des personnages qui se connaissent depuis des décennies se rappellent leurs prénoms les uns aux autres...).

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*Le Barrage* est un film expérimental, plus proche de ce qu'on voit habituellement au Palais de Tokyo que dans les cinémas. Il y a de belles choses à y prendre : la captation minutieuse du travail des briquetiers soudanais, une scène de cauchemar au milieu d'une palmeraie, le récit d'une obsession (dans laquelle on peut lire celle de tout artiste). Tout cela reste un peu léger pour faire un film, et sa courte durée ne suffit pas à prévenir d'un léger souffle d'ennui.

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L'histoire est bonne, et plutôt bien racontée — J.-P. Salomé réussit à maintenir une belle ambiguïté autour du personnage de syndicaliste interprété par Isabelle Huppert —, mais des dialogues assez pauvres, une interprétation plutôt faible (Yvan Attal et Marina Foïs en Luc Oursel et Anne Lauvergeon ne sont pas très crédibles) et une image très classique empêchent *La Syndicaliste* de convaincre.

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Film qui a tout pour être sympathique — l'image est belle, les acteurs très justes, le récit très subtil, il y a de très belles scènes (le karaoké, la fin à l'aéroport et son virage vers le symbolisme). En dépit de tout cela, je n'ai pas été transcendé... mais il n'y a là qu'une remarque subjective car je n'ai, objectivement, pas grand-chose à reprocher à ce film.

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Se regarde sans déplaisir (sans éblouissement non plus). Ce n'est pas un film sur l'ENA, contrairement à ce que laisse penser la bande-annonce, mais plutôt un film politique. Les acteurs jouent bien, la représentation de la vie publique est assez réussie... mais rien ne nous fait vraiment décoller non plus, et il manque une conclusion.

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*La Conférence* est puissant dans sa sobriété : celle du récit d'une réunion istrative de haut niveau, ennuyeuse et sobre dans son organisation — mais dont l'enjeu est l'orchestration par le IIIe Reich de l'extermination des Juifs d'Europe. La banalité des échanges et l'absence total de doutes sur l'objet — seules les modalités valent la peine d'être discutées : répartition des efforts, arbitrages sur les capacités mobilisées — sont bien plus glaçants et instructifs qu'une représentation frontale des crimes nazis.

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Pépite inattendue qui a reçu un succès mérité en salle. L'interprétation de Raphaël Quenard est exceptionnelle de drôlerie. Le sujet est original, de même que le décor — un village moderne du sud-ouest de la .

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Film historique appliqué (la reconstitution d'une usine Renault est très réussie), très classiquement filmé, et bien interprété par Swann Arlaud. Peu mémorable mais plaisant.

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De bonnes idées visuelles, mais trop d'idées et de décors (le camp d'entraînement de la Légion, le delta du Niger, les routes de la migration, l'obscurité des boîtes de nuit) pour un film qui manque in fine d'une ligne directrice et d'émotion.

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Parfois, abondance de bien saurait nuire. Tout étant permis par un budget colossal, financé par Apple+, Scorsese multiplie les décors et les morceaux de bravoure dans un film très long, un peu lent et dont on attend vainement le décollage. On en retient tout de même le jeu exceptionnel de De Niro, la justesse de Lily Gladstone, ainsi qu'une histoire (vraie) spectaculaire.

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Belle justesse émotionnelle de ce film simple par certains aspects, mais sophistiqué par beaucoup d'autres, comme ses compositions visuelles (belles scènes près de la rivière, dans les espaces confinés du village...). C'est surtout pour une intrigue surprenante qu'on retient Banel et Adama, qui part d'une confrontation assez classique entre amour et tradition, pour devenir une fable un peu inquiétante sur l'obsession et le désir d'absolu face aux contraintes du monde.

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Film très maîtrisé, avec un usage remarquable de la musique (la scène d'ouverture est obsédante), un niveau d'écriture irréprochable, qui reconstitue des personnages troublants et plus vrais que nature. Une bonne preuve de ce que la réussite artistique n'a pas forcément partie liée avec l'originalité, car il n'est rien qu'on n'ait pas vu dans ce film assez classique par ses ingrédients.

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Film très américain dans sa narration, qui fait immédiatement penser à la Guerre des mondes de Spielberg : face à l'effondrement du monde tel qu'on le connaît, un noyau familial fuit à travers des campagnes livrées au chaos. C'est assez réussi, avec des scènes brutales et prenantes... jusqu'à une fin en queue de poisson.

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Beau film contemplatif dans l'envers d'une Russie désolée et pauvre, pré-apocalyptique – gorges dénudées, plateaux arides semés d'éoliennes, littoraux crevés de criques et battus par le vent... c'est un peu académique, pas toujours émouvant, mais tout de même très intéressant.

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Lynch tape fort avec ce Twin Peaks extrêmement sombre, même pour son cinéma. é une première demi-heure dont le côté biscornu et décalé peut rappeler l'ambiance d'un Mulholland Drive, on découvre la noirceur d'un personnage en perdition, entouré de figures quasiment diaboliques.

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Œuvre culte, à raison. L'interprétation de Gena Rowlands et Peter Falk comme couple foudroyé par la folie de la première et rassemblé par leur amour est stupéfiante. Une expérience de cinéma très marquante.