Mon Flop 2025

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J'ai lâché l'affaire au bout d'1h08, pour situer au moment où c'est parti pour la fille à l'état de légume. On a chacun ses limites et pour moi, juste après le coup du petit Joseph dans le lit avec grand-mère c'était trop. Ce doc reflète selon mes critères tout ce qu'il y a de pire dans l'époque : indécence, selfie de la douleur, mise en scène de la souf, reconstruction à l'aire du développement personnel. Je n'irai pas par quatre chemins : sans préjuger des intentions de la réalisatrice, le résultat est ce qu'il est, immonde, Je pensais apprendre des choses sur le conflit nord-irlandais et ses répercussions, je me suis retrouvé en position de voyeur, contraint de regarder des témoignages malaisants, des reconstitutions (qualificatif impossible à trouver), des séances de pseudo-psychanalyse, des séquences qu'on croirait sorties de l'émission "Srip-Tease".

NB : Le pire c'est que d'un point de vue strictement historique on comprend bien plus de choses en regardant "Hunger" et "Omagh" par exemple.

(Ne vous fiez pas forcément à cet avis, le film est globalement très bien reçu par la critique, et sa moyenne ici est plutôt élevée.)

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Dans un dialogue on entend ceci : « Un mystère ou une arnaque »

Quelle confession, l’aveu du fait que la grandiloquence est le paravent qui dissimule l’absence de toute pensée. Chaque plan, chaque mot prononcé, chaque note de musique semblent devoir être perçus comme les derniers de l’Histoire du cinéma et même de l’Humanité tant Sorrentino nous les livre comme définitifs. Il y aurait donc ici l’intelligence, l’image universelles, sur lesquelles le tout petit spectateur pourrait se repaître tout au long des misérables jours qu’il lui reste à vivre.

Je me demande depuis un moment si le cinéaste italien croit lui-même en ses conn…, ou s’il se dit seulement « Frémaux va encore tomber dans le panneau, allez je rajoute une petite louche de vulgarité. ».

Tout me parait tellement calculé chez lui que même la variété italienne, apte à me faire couler dès la première mesure des hectolitres de larmes, me semble soudainement totalement factice.

Chez ce cinéaste la beauté (publicitaire) de chaque image n'a d'égal que la laideur de son regard...

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Au vu du succès au box-office de "Flow", succès qui ne va pas se démentir demain après ses récentes récompenses aux Oscars et aux César, le 2 avril prochain la merveille lettone pourrait bien se trouver en concurrence avec cette croûte british. Si vous ne voulez pas ruiner à la fois les cerveaux et les yeux de vos bambins surtout ne vous trompez pas de salle !

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"Le Choix du pianiste" fait partie de ces films qu'il est difficile de critiquer en raison de leur sujet. Et pourtant il a tout du bon vieux téléfilm chloroformé à la sauce 3 : reconstitution bien propre, mise en scène inexistante, violons bien en place. Et que dire du jeu des actrices et acteurs, par instants très embarrassant.

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Un film féministe, vraiment ? 😕

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J'ai été pour le moins surpris de lire dans la presse et sur des sites culturels des choses telles que : « Un trip SF malin et prenant » ou encore « À mi-chemin entre l’installation lo-fi et le grand feuilleton hollywoodien, le nouveau film de Clément Schneider est un foisonnant terrain de jeu et d’expérimentation. ». C'est oublier que ce truc bricolé est surtout complotiste et ressemble plus à une discussion de comptoir qu'à une réflexion digne d'intérêt. D'autant plus dommage que le réalisateur avait signé il y a quelques années un film profondément original et prometteur : "Un violent désir de bonheur".

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Le moins qu'on puisse dire est que Nils Tavernier n'a pas hérité de son père le talent de réalisateur, car une fois encore il fait dans l'illustratif et la grosse cavalerie du sentiment, mais en terme de cinéma c'est encéphalogramme plat. Il sera probablement épargné le 26 février, date de sortie, étant donné le sujet de son film, mais perso à ceux qui voudraient comprendre ce qui s'est déroulé en 1942 au 209 rue Saint-Maur Paris Xe, je conseillerais plutôt de voir le déchirant documentaire de Ruth Zylberman *. Durant ces 94 minutes j'ai aussi beaucoup pensé à Anne Frank et à ce que Lola Lafon en a fait dans son magnifique "Quand tu écouteras cette chanson". Tout ça pour dire que le sujet est une chose le traitement une autre.

Je crois que j'aurais été encore plus sévère dans ma note si le film ne s'ouvrait sur l'extrait d'un entretien avec Tauba Zylbersztejn datant de 1997. Archive en réalité terrible pour Nils Tavernier car la puissance de ces quelques courtes minutes ne fait que souligner la faiblesse de son travail.

* https://senscritique.accedersite.com/film/les_enfants_du_209_rue_saint_maur_paris_xe/31532104

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"Mikado", "Le Mélange des genres", deux films sortis à une semaine d'intervalle, et Michel Leclerc, Baya Kasmi même combat, même décalage par rapport au monde tel qu'il est. Si mes infos sont bonnes cette collaboration entre les deux pourrait être la dernière et ce n'est peut-être pas plus mal si j'en crois cette chose qui porte finalement assez bien son titre. Car le résultat est bien un mélange, une bouillie de pensées qui ne cessent de se contredire, ou de dire… n'importe quoi. Il n'y a pas de honte à être largué face à certains sujets, et en particulier ceux qui sont abordés ici. Mais alors pourquoi en faire un film, pourquoi réduire le féminisme, l'homme déconstruit à ça, pourquoi en être encore à décrire les flics comme des beaufs sympathiques mais qui vont quand même ref de prendre la plainte d'une femme en danger ? Michel Leclerc a la chance d'avoir la carte, de vivre sur la réputation d'une il est vrai merveilleuse comédie politique, "Le Nom des gens", car signé par un auteur dit "populaire" son film se serait fait démolir, on y aurait vu la vision de personnes à la ramasse et pourquoi pas réacs. Là je ne parle que du discours, mais le reste ne vient rien rattraper. En effet n'est pas Pierre Salvadori qui veut…

Dans le "Mikado" de Kasmi j'avais sauvé une scène, ici je vais en faire de même avec un personnage accidentellement bien écrit et malheureusement très secondaire : celui du jeune flic.

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Je veux bien faire preuve de toute l'indulgence du monde, considérer qu'après tout si le cinéma "régional" existe, à l'exemple de la récente vague corse, le "communautaire" peut bien avoir sa place, mais là c'est vraiment trop pour moi. Ou pas assez. En tout cas ça joue terriblement mal, la naïveté me semble si confondante que j'en suis parfois venu à me demander si elle n'était pas calculée, les numéros musicaux sont malaisants de médiocrité. Enfin bref si je veux de l'attendrissant, du mignon, je préfère aller regarder un chaton sur internet.

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Eran Riklis m'a régulièrement séduit par le é mais là son faux film iranien m'a désolé. Scolaire, didactique, attendu, il déroule un programme qui rend le récit digérable par tout le monde, explique tout plusieurs fois, un peu comme un ouvrage qu'on intitulerait "Le sort de la femme iranienne pour les nuls". Comme souvent avec ces films aux intentions louables, il y a ce que l'on en fait, et Dieu qu'ici c'est paresseux.

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Baya Kasmi, depuis un moment reconnue en tant que scénariste, principalement en compagnie de Michel Leclerc, avait surpris son monde il y a deux ans avec sa jolie comédie "Youssef Salem a du succès". Et le retour sur terre est violent avec ce "Mikado" qui esquisse des sujets, des portraits, ou plutôt des archétypes, des caricatures qui existent plus dans la tête de ceux qui les écrivent que dans la réalité. Le professeur incarné par Ramzy Bédia n'existe pas, l'amitié adolescente telle qu'elle est décrite n'existe pas, ces parents qui ne scolarisent pas leurs enfants n'existent pas, et la liste est longue. Sans parler des enfants adoptés, battus, et j'en e. Je suis le premier à dire que le cinéma peut et doit être le lieu de la liberté, du fantasme, mais quand on prétend au réalisme la légèreté ou la méconnaissance peuvent poser souci.

J'ai été très surpris de la façon dont le film a été reçu, d'entendre que tout y sonnait juste, alors que j'ai d'entrée et durant 94 minutes ressenti exactement le contraire, je n'ai jamais cru aux situations, aux dialogues. A une exception près que je tiens à souligner car la scène est vraiment belle, même si elle semble sortir d'un autre film : les retrouvailles entre Mikado et sa mère naturelle.

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Je lisais l'autre jour un article de presse intitulé : "En Allemagne, on enseigne le bonheur à l'école". Mais clairement pas dans leur cinéma qui n'a de cesse de se flageller sur son Histoire. Au vu des récentes élections on pourrait se dire que les scénaristes et cinéastes ont raison de rappeler l'horreur du é, de montrer en permanence le danger de certaines idéologies mortifères, mais il y a la manière. Car quand ces films ne sont pas d'un didactisme plombant ils en font des caisses, à la limite du Grand-Guignol (involontaire). Et comme à chaque fois avec ce type de film le fait de faire appel aux images d'archives montre la faiblesse de sa propre entreprise de fiction. Pour comprendre les techniques de manipulation des masses un doc récent, "Leni Riefenstahl - La lumière et les ombres", en dit par exemple bien plus que cette lourdingue "Fabrique du mensonge".

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Preuve qu'une Caméra d'or cannoise n'est pas gage de réussites à venir, ce "Mexico 86", successeur du remarquable "Nuestras madres", n'a provoqué chez moi qu'indifférence et ennui. Aucune tension, aucune émotion, un personnage principal tellement principal que César Díaz n'en fait exister aucun autre. Problème : cette femme a un double problème d'incarnation, d'une part via le scénario qui ne lui donne pas grand chose, et via l'interprétation de Bérénice Bejo qui n'est certainement pas une mauvaise actrice mais qui n'est ici juste pas à sa place.

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Magnus von Horn : « Salut Thierry, j'ai un film bien doloriste et bourré d'afféteries avec expressionnisme inclus pour toi, ça t'intéresse ? »

Thierry Frémeaux : « Ah mais carrément, envoie, j'te mets direct en compétition. »

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En découvrant le premier long d'André Gil Mata, je m'étais posé une question : son style pour le moins radical était-il sincère ou plutôt une manière d'accéder aux festivals qui glorifient volontiers ce type de cinéma ? Je crois dorénavant avoir la réponse : il se e à peine plus de choses ici que dans "L'Arbre", les premiers dialogues arrivent à la 32ème minute, ce qui aura au moins le mérite de réveiller certains spectateurs de la sieste qu'ils avaient gentiment entamée. Pour figurer le temps qui e lentement, très lentement, très très lentement, très très très lentement, ce film est une incontestable réussite, et sans surprise une bonne partie de la presse crie au génie.

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Une nouvelle illustration d'un cinéma d'animation japonais depuis un bon moment atone. Tout y est stéréotypé, des thèmes faussement originaux à l'esthétique sclérosée.

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"Accident domestique" ou la tradition du jeu de massacre à l'espagnole. Et forcément, si on considère que des réals tels qu'Àlex de la Iglesia avaient épuisé le filon il faut pousser le bouchon de l'abjection un peu plus loin pour que le spectateur frissonne, et rigole. Et c'est sans doute là que le bas blesse, car comment rire avec un tel sujet si le scénario ne nous l'autorise pas vraiment ? A force de ne pas choisir son parti Caye Casas s'embourbe dans ses provocations, sa surenchère. Je ne suis en rien contre le cracra mais pour s'en sortir il faut forcément un minimum de talent.

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Un premier long qui donne l'impression d'un court laborieusement étiré. Je suis sorti de là sans rien en penser, même pas énervé, juste indifférent. Et c'est pire que tout.

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On peut reconnaitre à Régis Wargnier une chose : il aime le romanesque, et à l'heure où le cinéma français se rétrécit, se "nombrilise", il est l'un des derniers à proposer ce cinéma, certes un peu "à l'ancienne" mais qui a du souffle. Problème : un film est fait d'autre chose que de mise en scène, et là cette "Réparation" est assez dramatique. Il faut s'accrocher pour croire à cette histoire, surtout lorsqu'elle est si faiblement incarnée par un casting au jeu pour le moins hésitant. A leur décharge les personnages ne sont pas dessinés avec une grande subtilité.

NB : Je voudrais quand même rassurer ceux qui comme moi sont allergiques à Clovis Cornillac, le scénario a le bon goût de le faire très vite er à la trappe.

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Ne faisant pas partie de ceux qui avaient été épatés par "De grandes espérances" je n'ai pas été surpris en découvrant le nouveau Sylvain Desclous. Comme son précédent film j'ai trouvé que ce "Système Victoria" démarrait plutôt bien, laissant espérer un inquiétant polar sur fond de finances et d'architecture urbaine, mais à nouveau le récit se perd dans une histoire intime à laquelle il est difficile de croire, où une multitude de fils est tiré pour ne jamais être exploité. Je n'ai pas lu le roman d'Éric Reinhardt mais en tout cas son adaptation (dont il est lui-même responsable) est un échec.

J'ai évité de parler de la forme car ça m'a confirmé qu'il n'y a pas grand chose à espérer de Desclous à ce niveau.

Si ma note n'est pas plus sévère c'est pour souligner que le casting fait ce qu'il faut pour sauver l'ensemble du naufrage.

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A propos de celui-ci j'ai entendu des compliments pour le moins éloignés de ce que j'ai découvert. Il y a certes une belle idée de départ, ce faux biopic qui aurait pu être touchant, mais que raconte ce "The Last Showgirl" à part des choses vues cent fois et en tellement mieux ? Je vois bien le côté chronique où les plans remplacent le discours mais encore faut-il aller au-delà de ce côté poseur qui ne fait que recycler du faux cinéma indépendant US. Et puis désolé mais Pamela Anderson n'est pas bonne, elle ne parvient jamais à incarner un personnage avec lequel on devrait pourtant être en empathie. Et pourtant je crois que je suis allé voir le film pour elle, parce que cette femme me touche, a certainement plus à donner qu'une image ancienne et tellement réductrice. C'était censé être LE rôle de sa vie, celui d'une forme de réhabilitation, mais encore aurait-il fallu que Gia Coppola lui donne de la matière à travailler. "Palo Alto" m'avait charmé malgré ses insuffisances évidentes, là on a la confirmation que le talent ne se trouve pas forcément dans les gènes.

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Ce premier film a tout pour être attachant avec sa tête de truc de SF minimaliste et fauchée, avec tout qui sent la bricole, mais malgré la présence de Blanche Gardin ça s'essouffle rapidement et c'est rattrapé par les bons sentiments comme une bonne vieille grosse production. Il y a quelque chose du Dupieux des débuts mais un format encore plus court aurait certainement été plus adapté.

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C'est malheureux mais je crois avoir mieux saisi Oksana Chatchko au cours des quelques minutes dans lesquelles elle apparait dans "Apolonia, Apolonia" de Lea Glob que dans ce film entièrement consacré à l'artiste-militante ukrainienne. C'est probablement ce qui fait la différence entre un excellent documentaire et une fiction qui prétend percer un mystère imperçable. D'autant que tout pouvait finalement être dit en une ligne de dialogue : « Sans combat il n'y a plus de vie ».

J'ai d'abord été très mal à l'aise face à la construction du récit, travaillant plusieurs temporalités, dont une qui décrit, horloge à l'appui, la dernière journée d'une femme ionnante et complexe. Et là déjà je dois avouer que ça m'a mis mal à l'aise, car je ne suis pas fan de cette manière d'entretenir une forme de suspense avec ce qu'on sait tragique et inexorable. Pour le reste, et malgré la mise en scène qui s'échine à ne jamais être à plat, malgré la direction artistique tout aussi ostentatoire, rien n'a eu d'effet sur moi, je n'ai jamais vibré, je n'ai jamais été ému, et ayant quelques connaissances à propos du mouvement FEMEN je n'ai pas non plus l'impression d'avoir appris grand chose. En résumé je n'ai pas été plus convaincu par "Oxana" que par les deux précédents portraits de femme de Charlène Favier, "Slalom" et "La Fille qu'on appelle".

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Jean-Claude Flamand-Barny tombe bien comme il faut dans le piège du biopic didactique Vs ambition cinématographique. Comme si l'un empêchait l'autre... Vraiment dommage car le parcours de Frantz Fanon méritait mieux, à la fois plus de souffle et d'engagement politique. 2h13 dont je ne sauverais réellement que les cinq dernières minutes, ça fait peu.

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Du soleil, du sexe, de la liberté et du queer. Le programme proposé par les Espagnoles Julia de Castro et María G. Royo est certes sympathique, le bordel ambiant tout autant, mais il faut malheureusement reconnaitre que ça masque presque en totalité le message, pourtant bien plus profond qu'il n'y parait.

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Décidément je ne comprends pas le cinéma de Luca Guadagnino, ou plutôt le rapport de ce dernier au cinéma. Qu'est-ce qui provoque chez lui (à part le chèque bien sûr) l'envie de faire le remake d'un giallo monumental, d'aller vers le cannibalisme, de pondre un trio érotico-tennistique, ou encore là d'adapter Burroughs ? Je suis le premier à louer ceux qui osent aller dans tous les genres, à ne pas rester les deux pieds dans le même sabot, mais si c'est pour en faire ça, au mieux des trucs sans âme au pire des machins risibles, quel est l'intérêt ? Je classerais ce "Queer" dans la première catégorie, dans celle des produits sans âme, et plus grave ici sans chair, qui sans provoquer un déplaisir absolu ent sur vous sans laisser la moindre trace. 2h17 pour arriver à ça, c'est quand même troublant...

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L'ultime volet de la trilogie de Pablo Larraín consacrée aux femmes célèbres du XXe siècle m'aura donc quasiment autant déçu que le deuxième, "Spencer". Pas sûr d'ailleurs que je doive parler de déception car je n'attendais pas forcément grand chose du réalisateur chilien qui m'a certes parfois totalement renversé mais aussi souvent profondément agacé.

Car s'il m'avait semblé renouveler le genre du biopic avec "Jackie", film où des couloirs et une tenue vestimentaire devenaient personnages, il fait ici semblant de le déstructurer, utilisant tous les artifices esthétiques du cinéma pour montrer un soi-disant génie. Mais en réalité il n'a pas le moindre point de vue sur son "héroïne" et pas plus sur la manière de la montrer à l'écran. A partir de là le film aurait pu s'appeler "Angelina" et non "Maria" car l'actrice en mal de succès ne semble incarner qu'elle-même. Et elle aurait eu tort de se priver puisque la personne censée être à la barre semble plus occupée à se regarder filmer qu'à regarder la Callas.

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Ce premier film a pas mal de choses pour lui : une volonté évidente de réinventer le film romantique, ce personnage qui ne fait pas grand chose pour être aimé, y compris par le spectateur, interprété par la formidable Camille Rutherford. Malheureusement avec moi ça n'a jamais pris, comme on dit je suis tout bêtement resté à quai.

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Depuis fin janvier sur les écrans ce "Retour en Alexandrie" n'est pas dénué d'intérêt, avec ce beau portait de femmes incarnées par un duo qui fonctionne remarquablement : Nadine Labaki, décidément meilleure actrice que réalisatrice, et une Fanny Ardant qui m'avait semblé s'ennuyer dans ses derniers rôles. Il y a quelque chose d'Almodóvar dans cette manière de célébrer la Femme, et c'est là que le bas blesse car Tamer Ruggli va piocher beaucoup chez le cinéaste espagnol mais semble comme écrasé par cette ombre tutélaire.

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Je vais être dur mais j'avoue en avoir un peu assez de ces documentaires sans réelle ambition cinématographique qui ne font en réalité que prêcher des convertis. Personnellement je suis sensible à ce genre de sujet donc je ne peux que regarder un tel documentaire avec un certain intérêt, d'autant que cette "Terre des Vertus" montre que toute lutte n'est pas vaine, mais cela ne m'empêche pas d'en voir les limites.